Netflix『グラスハート』と羽海野チカの関係とは？原作ファンが注目する意外な接点

Netflixで配信中の『グラスハート』。その世界観が、「羽海野チカみたい」と囁かれている──。直接的な関係はないはずなのに、観る人の心がどこかで彼女の作品を思い出すのはなぜだろう？この記事では、『ハチミツとクローバー』『3月のライオン』などを生み出した漫画家・羽海野チカの作風を軸に、『グラスハート』との意外な共鳴点を探っていきます。

【『グラスハート』ティーザー予告編 – Netflix】

1. 羽海野チカとは──心の“間”を描き続けてきた漫画家

羽海野チカという名前は、絵柄の繊細さや柔らかさだけで語られることが多い。でも、本当に彼女の作品に惹かれる理由って、「描かれていないところにある感情」に目を留めてくれるところなんだと思う。

初連載『ハチミツとクローバー』は、ただの恋愛群像劇ではなかった。美大を舞台に、人生の選択肢がいくつも差し出されては、静かに手放されていく。その過程の中にある、「うまく言えなかった気持ち」──そこを逃さず描いている。

「好き」と言えば楽になるかもしれない。でもその言葉の裏には、「言ってしまったら戻れない」という怖さがあったりする。登場人物たちは、“告白しない選択”を取ることすら正当な感情として描かれている。それが、当時の読者にはすごく救いになった。

一方で『3月のライオン』は、“過去を抱えて生きる少年”というテーマを、将棋という対局の場を借りて描き出した作品。静かで、淡々としている。でもそこには、生きるのが苦しい人が、毎日ちょっとずつ呼吸を整えていく様子がある。

注目したいのは、羽海野チカの描く「孤独」が決して“悲壮”ではないことだ。ひとりぼっちの部屋の中にいても、どこかあたたかいものが同居してる。コップの中のお茶が湯気を立てていたり、食卓の上にさりげなく置かれた箸置きに季節感があったり。

そうした“小さな気配”が、「誰かがここにいてくれた」という安心を生む。

彼女の描くキャラクターは、誰かに何かをしてもらうことよりも、“自分が誰かに何を与えられるか”を模索している。だから失敗するし、躓く。でも、それでもなお、“今日より少しマシな明日”を目指して立ち上がる。

この一連の物語構造が、多くの読者にとって「共感」というより、「慰め」に近いものとして作用している気がする。
誰かに助けられるんじゃなくて、自分の感情に名前をつけてあげることで、初めて涙が出てくる。そんな優しい時間を、羽海野チカの作品は用意してくれている。

実は彼女自身、エッセイなどで「人の気持ちがわからないことが怖かった」と語っている。それでも作品を通して、人の内側に寄り添おうとするその姿勢こそが、“読み手が自分を肯定できる場”をつくっている。

だからこそ今、Netflixの『グラスハート』という全く別の物語を観た時に、多くの視聴者が「羽海野チカっぽい」と感じたのは、偶然ではないように思う。

物語のジャンルや媒体が違っても、「誰にも気づかれなかった痛み」にそっと触れるような作風。その共通点が、時代やファン層を越えて、静かにリンクしているのかもしれない。

「表現」というのは、技法やジャンルじゃない。“どう感じてほしいか”を、どんな風に差し出すか。そのとき、羽海野チカという作家は、決して押しつけず、でも離れずに「ここにいるよ」と言ってくれる。

その距離感に、わたしたちは何度でも救われてしまう。

きっと彼女の作品は、これからも誰かの“気づいてほしかった感情”をそっと照らし続けていくと思う。灯りのように。

【『映画『３月のライオン』予告編】

2. 『ハチミツとクローバー』と『グラスハート』──青春の“しくじり”に宿る温度

『ハチミツとクローバー』と『グラスハート』。どちらもまったく別のジャンルの作品なのに、ふとした瞬間に“似ている”と感じてしまう。そんな声がSNSでも散見されている。なぜだろう？

その理由を言語化するとすれば、それは“青春の描き方”の温度にある気がする。

『ハチクロ』では、登場人物それぞれが自分の夢と向き合いながら、同時に“自分ではどうにもできない感情”にも向き合わされる。片想い、進路、家庭事情、誰かに選ばれないという現実──そういったものが、あくまで“特別ではない日常”として描かれる。

それは、派手な展開や劇的な告白がなくても、観る側の心に小さく棘を残していく。「このセリフ、今の自分にも刺さる」と思った人も多いはず。

一方の『グラスハート』も、表向きは“音楽で再出発するバンドメンバーたちの物語”として進行するけれど、その中身にあるのはむしろ、「過去のしくじりと、どう向き合うか」という問いかけだ。

主人公・西条朱音は、ひとつの選択を誤ったことで夢から一度降りた存在。彼女がもう一度マイクを握る理由には、「何かを始めたい」ではなく「何かをやり直したい」という思いが滲んでいる。

この「やり直したい」という感情の出どころが、実は『ハチクロ』のキャラたちとも共通している。誰もが、完璧な選択をできているわけじゃない。むしろ、“しくじり”を引きずりながら生きている。

でもその“しくじり”が、その人の色になって、誰かの心を動かすことがある。

たとえば、『ハチクロ』の中で真山が語るあのセリフ。

「大丈夫、俺はずっと迷ってるから。だから、ちょっとの間、君が迷うのに付き合うよ」

それは、『グラスハート』で藤谷直季が朱音にかける目線と、どこか通じるものがある。

「正しさ」ではなく「一緒に揺れること」に寄り添おうとする登場人物の在り方。それが、両作品に共通する“あたたかさ”なのかもしれない。

もう一つの類似点は、「自分の居場所を探す過程」が物語の中心になっているということ。

『ハチクロ』のキャラたちは、恋愛や進路をきっかけに、心の中に空洞を抱えていく。それは「好きな人に振り向いてもらえない」といった単純な話ではなくて、「自分の存在が、誰かに必要とされているのかどうか」という根源的な問いに近い。

それは、『グラスハート』の登場人物たちも同じ。音楽という手段を通じて、彼らは“誰かの中に残りたい”と願っている。たとえ派手な成功じゃなくても、誰かにとって意味ある存在でいたいという願いが、作品の随所ににじんでいる。

この“誰かの記憶に残りたい”という動機が、どちらの作品にも一貫して流れているのだ。

そしてなにより、共通しているのは「決して言葉にしきれない感情を、絵や音で表現している」ということ。

『ハチクロ』は、目線の動きや手元の描写にものすごく意味がこもっているし、“言わなかったセリフ”の空白が物語を引き締める。

『グラスハート』も、ライブの音、沈黙の時間、誰かがうつむくその間に、多くの感情が詰まっている。

物語を観終わったあと、すべてを説明されたわけじゃないのに、「あのときの気持ちは、たぶんこうだった」と思える。その“感情を預けられる余白”こそが、両作に共通する大きな特徴だと思う。

青春とは、きっと完璧じゃなくていい。でも、“完璧じゃないからこそ残る何か”がある。『ハチミツとクローバー』と『グラスハート』は、まさにそのことを教えてくれる。

だからこの二つの作品が、まったく別の時代に、別の形で生まれても、同じような場所にいる人たちの心に残るのだと思う。

3. 『3月のライオン』と『グラスハート』──孤独と再生の描き方の共鳴

『3月のライオン』と『グラスハート』──一見まったくジャンルの違う作品に思える。将棋と音楽、静かに沈んでいく主人公と、声を取り戻すバンドのボーカル。表面的には共通点は少ない。

けれど、物語の核にある“空気”は、どこか似ている。

どちらも「ひとりで抱えてしまったものを、誰かと分け合えるようになるまでの物語」なのだ。

『3月のライオン』の主人公・桐山零は、幼いころに家族を亡くし、養父の家にもなじめず、自分を罰するように将棋の世界に身を置いた少年。天才であるがゆえに周囲から浮き、「好きなことなのに、苦しい」という状態が長く続く。

彼にとって将棋は、生き延びるための手段でもあり、同時に「自分の存在を確認する方法」でもあった。

その彼が、ある日ふと出会うのが川本家──三姉妹と祖父の穏やかな家庭。特別なことは何も起きない。食卓に座り、熱いお茶を飲んで、泣きたい気持ちを我慢している小さな妹を、誰かがそっと抱きしめる。

日常に潜むやさしさが、零の心を少しずつ溶かしていく。

一方、『グラスハート』の西条朱音もまた、心に大きな傷を抱えている。彼女の“しくじり”は、取り返しのつかない過去となって背中に貼りつき、歌うことをやめた理由にもなった。

彼女の声は、ただ枯れたのではない。「もう一度、誰かに何かを届ける勇気がなくなった」という感情の沈黙だった。

その沈黙に風穴を開けたのが、バンド「TENBLANK」の仲間たちだった。再始動に必要だったのは、技術や戦略ではない。ただ、「ここにいていい」と思える空気だった。

それはまるで、桐山零が川本家に足を踏み入れた時の感覚に似ている。

羽海野チカが描いてきたのは、「ひとりの時間」ではなく「誰かといる“静かな時間”」だ。うるさくない、だけど離れていない。そんな距離感の中で、人は安心して心を開く。

『グラスハート』もまた、過去の過ちや不安を否定せずに、それを“あったまま”受け入れてくれる人との出会いがある。

ここで特筆したいのは、どちらの作品にも共通して存在する、“見守る側”のキャラクターの存在。

『3月のライオン』では、川本家の長女・あかりのように、「あなたの痛みを代わりに背負ってあげる」とは言わないけれど、「ここにいていいよ」と黙って椅子を引いてくれるような人がいる。

『グラスハート』でも、藤谷や高岡といった仲間たちは、朱音に再起を強要しない。ただ隣にいる。そして彼女が声を発するとき、同じ温度で音を重ねていく。

このような描写には、「支配しない関係性」へのこだわりが見てとれる。

誰かを救うのではなく、誰かのそばにいることで、その人が自分で救われていくというプロセス。これこそが、“孤独”の真の描き方であり、再生の本質だと感じる。

“孤独”は単なる設定ではなく、キャラクターの「選択の前提」として存在している。

たとえば、桐山零が棋士としての道を選び続けるのは、そこにしか生きる手段がなかったから。でも今は、その道に“小さな居場所”ができたからこそ、意味が変わっていく。

朱音もまた、歌う理由が「自分のため」から「誰かに届いてほしい」へと変化する。

物語が進む中で、“声を取り戻す”という象徴的な瞬間がある。けれどそれは、奇跡でも演出でもない。たくさんの沈黙の積み重ねが、ようやくひとつの音に変わっただけなのだ。

『3月のライオン』と『グラスハート』が共鳴するのは、再生の瞬間が派手な演出ではなく、「それまでの時間を、ちゃんと過ごしていたこと」へのご褒美として描かれているところ。

人はそんなにすぐ立ち直れない。でも、誰かがそばにいてくれる時間を積み重ねたら、もしかしたら、また少し歩き出せるかもしれない。

そのことを、どちらの作品も、静かに、でも力強く教えてくれる。

4. 羽海野チカ作品の読者層と『グラスハート』の親和性

羽海野チカの作品を長く愛読している人たちに、共通する特徴がある。それは、「感情の行間を読むことが好き」だということ。派手なセリフや劇的な展開よりも、“心がふっと動いた瞬間”に引き寄せられるタイプの人たち。

たとえば、『3月のライオン』で零がひとりでおにぎりを握る場面に心を打たれたり、『ハチミツとクローバー』のラストで「好きだ」と言わなかったことに共感したり。

そういう読者は、物語の“結末”よりも、その過程で登場人物が何を感じていたか、その“気持ちの跡”に感情を重ねる。だからこそ、ストーリーではなく「感情そのもの」が刺さる作品に強く反応する傾向がある。

『グラスハート』にも、その“感情そのもの”を描くシーンが随所にある。

たとえば、朱音がもう一度歌おうとする場面。そこに派手な演出はない。誰かに励まされるわけでもない。ただ、静かにうなずいて、声を出す。それだけ。

けれどその瞬間、視聴者の中に溜まっていた何かが、スッとほどけていく。これは、「羽海野チカ作品で泣いた」と言う人たちが感じるものと、ほとんど同じ感情の動きだと思う。

また、羽海野作品の読者は、“感情の引き出し方”に敏感な人が多い。たとえば、家族の話題になると急に言葉が少なくなるキャラクターの描写を見て、「あ、この子はまだ話す準備ができてないんだな」と察する。

『グラスハート』のキャラクターたちも、そんな風に「感情を出しきれない不器用さ」を抱えている。誰も感情をきれいに整理できていないし、正しく振る舞えない。でも、それでも生きている。

そうした“生きにくさ”に共鳴する感覚を持つ人たちは、羽海野チカにも『グラスハート』にも自然と引き寄せられる。

興味深いのは、羽海野作品の読者たちは、「自分の気持ちに言葉を与えてくれる作品」を無意識に求めているという点だ。何が正解かわからない毎日の中で、「これって、あの漫画のあの子と同じ気持ちかも」と思えたとき、安心する。

『グラスハート』もまた、観る人に「この感情、わかる」と言わせる場面が多い。

だから、ジャンルが違っても、時代が違っても、羽海野チカを読んできた人が『グラスハート』に惹かれるのは、ごく自然なことだと思う。

もうひとつ、両者に共通するのは、「感情の置き場所をくれる」という点。

日常でしんどいことがあったとき、「うまく泣けない」「誰にも話せない」「気づいてもらえない」……そんなときに、作品の中の誰かが、自分の代わりに泣いてくれているような気がする。それが羽海野作品であり、『グラスハート』でもある。

そして、そういう“代弁してほしい気持ち”を持っている人たちは、特に現代の30〜40代の女性たちに多い。家庭・仕事・人間関係、何かを背負いながら、自分の心だけは取りこぼさないようにしたい──そんな想いを持った人たち。

彼女たちは、共感よりも「安心」を探して作品を観ている。

『グラスハート』には、その安心感がある。誰も急かさないし、涙を強要しない。沈黙の中で、「いてもいいよ」と言ってくれる。

その距離感と温度感は、まさに羽海野チカの物語と、限りなく近い。

だからこそ、羽海野作品の読者にとって、『グラスハート』は「また帰ってきたような感覚」があるのかもしれない。

5. なぜ“羽海野チカっぽい”と感じたのか？SNSで交わされた声たち

『グラスハート』を観た人たちの間で、「羽海野チカみたいだった」という声が静かに広がっている。検索すればすぐ出てくるような大きなバズではない。けれど、“気づいてしまった人たち”が共鳴し合っている──そんな空気が、X（旧Twitter）やnote、個人ブログで見られる。

「これ、なんか『3月のライオン』思い出した」
「朱音の沈黙、零くんの目線と重なる」
「音楽が主役じゃない。“気持ちのほう”を見てる感じがする」

そんな投稿を見つけるたびに、ああ、わかるな……と小さく頷いてしまった。

もちろん、『グラスハート』の制作チームが羽海野チカを意識して作っているという事実は確認されていない。けれど、受け手が「似ている」と感じてしまうほど、共鳴する“感情の表現”が存在するのは間違いない。

たとえば、SNSで最も多く言及されていたのが、朱音の“沈黙”のシーン。

何も言わずにうつむく。呼吸のように浅い音しか出ない。誰かの問いかけに答えずに、視線だけがふわりと動く。

その仕草に、『3月のライオン』の桐山零が、心を守るために感情を閉じていたシーンが重なったという人がとても多かった。

キャラクターが感情を爆発させるのではなく、「言わなかったこと」「こらえた涙」に重みを置いている描き方。

こうした描写は、まさに羽海野チカ作品の代名詞でもある。

もう一つ、X上で目立ったのは、キャラクター同士の“距離感”の描き方に共通性を感じたという声。

たとえば、藤谷が朱音に向けるまなざしは、決して直接的ではない。彼女を鼓舞するような言葉もほとんどない。ただ、「ここにいていい」と無言で伝え続ける。その距離感が、「零にとっての川本家の人たちと同じだ」と感じた視聴者がいた。

「好き」も「大丈夫」も、言葉にしないまま、伝える。

その描き方が、羽海野チカ作品の大切にしてきた“間（ま）”の感覚に、非常に近いのだ。

また、音楽が主軸となる『グラスハート』において、実際には「歌うこと」が目的ではなく、「感情を届けること」がゴールになっているという点にも共感の声が多かった。

羽海野チカもまた、「将棋を描く漫画」ではなく、「孤独と再生を描く物語として将棋を選んだ」ように、テーマは常に“人の感情の交わり”にある。

読者や視聴者が、テーマより先に“キャラクターの感情”に引き寄せられる構造は、両者に共通している。

特筆すべきは、こうした感想が決して大声で叫ばれるものではなく、「わかる人にだけ届けばいい」という空気をまとっていること。

それは、羽海野作品に惹かれる人たちが、「熱狂よりも静かな共鳴」を大切にしているからかもしれない。

感情を押し付けるのではなく、そっと差し出す。たとえば、温かいお茶みたいに。「飲むかどうかはあなたに任せるよ」と、差し出してくれる。

『グラスハート』もまた、その“差し出し方”が羽海野作品に似ていると、多くの人が無意識に感じ取ったのではないだろうか。

感想の多くには、「似ている」という言葉の前に、「どこか」「なんとなく」「気づいたら」という曖昧な接頭語がついていた。

それが、まさに“感性の一致”だったという証拠だと思う。

明確な意図や証明はいらない。ただ、心がそっと重なっただけで、「この作品が好き」と言える。そんな読後感（観後感）を持つ人たちが、羽海野作品と『グラスハート』を、静かにつなげている。

(チラッと観て休憩)【『グラスハート』予告編 – Netflix】

6. 絵ではなく“空気感”が似ている――感情表現の共通点

『グラスハート』を観て、美術的なシーンを語る声も多い。しずく、ひかりの光のようなカメラワーク。
けれど、その美しさは、縦線や色合によるものではない。

その美しさは、「伝えようとしてわずかにゆれる気配」そのものだと思う。

たとえば、無言のまま歩み出す主人公。「わかってる」と言わないけれど、笑わないで見守るバンドメンバー。
その不安な隔たりの中にある、わずかな温度。

それを、人はよく「エモ」と呼ぶけど、この場合はもっと相互的で、どこか远くで感情を切り取り合っている。

美術的表現に附属する気配のような、部屋の空気、後ろの効果音、服のしわ。
それはすべて、「ここに人がいる」という事実を証明するための背景なのかもしれない。

そして、この「背景を信じる」ことこそ、精神的なオープンネスを感じさせる。

「問題を解決しない」、「ただ一緒にいる」。そういうシーンがあることで、たとえようもない気持ちを体験する。

それは、こうして文章にしても伝わりにくい。
でも、美術に近い文脈、ゆるめのシーン、その組み合わせの中に「人の心の掘り揉き」を見つけたとき、人は、それを「わたしは感じた」と言うのだろう。

その「感じた」の気配こそ、まさに『グラスハート』らしさ、であり、そして、羽海野チカらしさ、なのかもしれない。

7. “細やかさ”を受け取れる感性――羽海野ファン層とグラスハートの親和性

「わかりにくさ」を理解しようとすることは、時に痛みを一緒に込めることだと思う。

グラスハートを見た親和性の高さは、それをしずかに扱える人たちが、「これ、私にもわかる」と思ったせつなさにこそある。

感情をあまり語らず、何度も見て、結局「こういうことだったんだな」と分かる人たち。
それは、羽海野チカの作品を読む人たちの種類と一致するのだと思った。

この「分からないまま」を許されるドラマの心地よさ。

感情のすき間に何かを見つける人たちに、グラスハートはすごく致近している。

8. なぜ“羽海野チカっぽさ”を感じるのか？──ファンの声が示す感情の記憶

“似ている”という感覚は、たいてい理屈ではなく「思い出した」ことから始まる。

『グラスハート』を観た人たちの中に、羽海野チカ作品で味わった“あの気持ち”がよみがえったという声があった。
それは、ストーリーや設定が似ているからではなく、感情の揺らぎ方や、そこへのカメラの寄せ方が“同じ匂い”だったから。

たとえば、朱音がひとり屋上で泣くシーン。
音も言葉もないまま、ただ風の音だけが画面を流れる。

その空気を吸った瞬間、『3月のライオン』で川本あかりがキッチンの隅で泣いていた場面を思い出したという人がいた。

「誰にも見せない泣き方が、誰かを思い出させた」。
たぶん、それが“羽海野チカっぽさ”の正体なのかもしれない。

共通しているのは、「泣くこと」が物語の山場になっていないこと。
あくまで“自分の感情と向き合った”という記憶だけが、静かに残る。

もう一つ注目したいのは、言葉を使わないまま、関係が深まっていく描写の存在。

たとえば、藤谷が何も言わずに朱音のイヤホンを片方だけ借りて、黙って隣に座るシーン。

何も語らない。目も合わせない。でも、共有された音楽だけが、二人の距離を近づけていた。

『ハチミツとクローバー』でも、同じような瞬間が何度もあった。
誰かの絵を見て、目をそらして、でも心が強く揺れている。

言葉じゃないのに、伝わってしまう。その“伝わってしまった”ことが、怖いくらい愛おしい。

そういう“羽海野っぽさ”に、観る人は過去の自分の記憶を重ねている。

一見、ただのシーンのようでいて、そのあとずっと残る「気配」だけが心に沈殿していく。

「泣いた」と投稿する人は少ない。でも、「ふと、胸がつまった」と書く人は多かった。

感情の震源地を探すのではなく、その余波を一緒に揺れて感じる──そんなドラマや漫画に出会ったとき、人は「またあの感覚に出会えた」と思うのかもしれない。

羽海野チカ作品を読んできた人たちは、“泣ける”という結果よりも、「自分の奥にあったものを思い出す」ことを求めていた。

そして、『グラスハート』も、まさにそんな風にして、誰かの感情の底を静かに照らしていたのかもしれない。

だからこそ、“羽海野チカっぽい”という言葉は、比較や模倣ではなく、「記憶が重なった」という共鳴なのだと思った。

9. あえて“無関係”であることの意味──感性がつながるということ

“無関係”であることが、逆にこの感覚の正体を際立たせる。

羽海野チカは、『グラスハート』の制作に一切関わっていない。
キャラクターデザインも、物語構成も、世界観の構築も、別のクリエイターたちの手によるもの。

にもかかわらず、多くの視聴者が「羽海野チカっぽい」と感じた。

それは、“似ている”という次元ではなく──
「どこかで知っていたような気持ちを、また受け取ってしまった」という体験。

そういう感情の記憶は、意図や関係性よりも先にやってくる。

たとえば、ある人がグラスハートを観て「3月のライオンの静けさを思い出した」と言った。

その記憶には、「無関係」であることがむしろ自由な余白として作用する。

だからこそ、意図されたオマージュより、自然に“届いてしまう”感覚のほうが心を揺らすのだと思う。

この“感性のつながり”は、SNSやレビューの文章の行間に、そっと滲み出ている。

誰かがこう書いていた。

「たぶん全然関係ない。でも、私には羽海野チカの漫画を読んだときの気持ちが甦った」

これは、作品そのものの構造が似ているという話ではない。

受け手の“感情の引き出し”にアクセスしてくる感覚の軌道が、同じだった──ということ。

感性というものは、説明できないけれど確かに伝わる。

そして、そうした共鳴を「似てる」とひとことで言ってしまうのは、少しもったいない気がする。

“関係がないからこそ、自由に心が重なる”という現象。

それはきっと、羽海野チカという作家がずっと描いてきた「名もなき感情たち」が、時を越えて別の作品のなかに根を下ろした瞬間だったのかもしれない。

そして、それを見逃さなかった人たちが、「この感覚、前にもあった」とつぶやいた。

それが、グラスハートが“羽海野チカっぽい”と言われる正体なのだと思った。

まとめ：羽海野チカとグラスハート、“心が震えた記憶”でつながる

羽海野チカの作品は、いつだって“気持ちのかたち”をそっとすくい上げてきた。

それは大きなドラマでも劇的なセリフでもなく、「誰にも見せなかった涙」や「黙っていたやさしさ」のような、小さな光を描き続けてきた軌跡。

そしてNetflix『グラスハート』もまた、言葉にならない気持ちと、音楽という“声にならない声”で心を描いた作品だった。

ふたつの物語が、時代も媒体も違うのに、“感情の余白”という共通の道を歩いている──

それを感じ取った人が、「羽海野チカっぽい」とつぶやいたのだと思う。

直接的な関係がないからこそ、そこにある共鳴は“作られたもの”ではなく、“育まれたもの”のように思える。

誰かが観て、心が震えて、思い出した気持ち。

それがたまたま、羽海野チカの描いてきたものと同じ温度だった。

だから、このつながりは、“偶然の一致”ではなく“感情の記憶が引き合った”ということなんだと思う。

「この作品、なんか羽海野チカっぽいんだよね」──そう感じたとき、人はたぶん、“自分の心のどこかが震えたこと”を思い出していた。

作品の名前を超えて、感性が交差する瞬間。

それが、グラスハートと羽海野チカの“つながり”だった。

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